「The Artist’s Muse」インタビューシリーズ、第10回の主人公は、潜在意識の思考や感情を「美しく抽象化された風景」として描き出す画家、タラ・ハリス氏です。直感や動き、本能に導かれながら制作し、特定の場所を写実的に描くのではなく、むしろ「内なる地形（inner terrains）」を表現します。彼女の作品における風景は流動的で移ろいやすく、画面の上で形が自然に変化し、溶け合い、再構築されていきます。
彼女が再び制作活動に戻った背景には、彼女自身の人生の歩みが深く関わっています。教師として、また家庭人として過ごした30年の歳月の後、ある日ふと友人のスタジオで木炭を手に取ったことが、再び創作への情熱を呼び覚ましました。その後、父の死という深い悲しみを経験し、彼女の絵画は「癒し」と「心の回復」のための毎日の祈りのような実践へと変化していきます。初期にはシュルレアリスムの「オートマティスム（自動筆記）」的な手法に惹かれ、次第に写真的な参照を手放し、予期せぬ造形の自由に身を委ねるようになりました。
彼女にとって絵画とは、静かな対話のような行為です。ある形を引き出し、別の形をそっと拭い取る——その過程で、あらかじめ描かれた下絵に頼ることはありません。キャンバスの上でひと筆ごとに課題を解き明かしていくような感覚こそに、彼女は深い喜びを感じています。進行中のシリーズ「Talking Landscapes」では、風景そのものが思索や記憶の器となり、自然の人格化を通して、生態系の緊張関係や人間とのつながりといったテーマがやわらかに重なり合います。
彼女の絵画は固定された物語を提示するのではなく、むしろロールシャッハテストの図形のように、心理的な開放性を内に秘めています。観る人それぞれが自身の記憶や感情を投影することで、作品との出会いは極めて個人的で唯一の体験へと変わっていきます。
私たちは皆さまを、彼女の直感的で癒しに満ちた創造の旅へとご案内します。そこではキャンバスが、静かな内省と回復、そして「心の奥にある世界」をそっと探るための居場所となっていきます。
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Q. 本日はお忙しい中、貴重なお時間をいただきありがとうございます。お会いできて光栄です。まずは、作家としての歩みや、これまでの制作活動についてお聞かせいただけますでしょうか。また現在はどのような表現に注力されているのか、ぜひご紹介ください。
A. 制作は「直感」を重視した絵画的アプローチに基づいており、本能的な動きや潜在意識の流れが、プロセスとイメージの双方を導いています。主に扱っているのは抽象的な風景であり、特定の場所を描写するものではなく、むしろ内的な地形のような存在として機能しています。そうした環境はしばしば断片的で移ろいやすく、制作の過程で形が現れたり、溶けたり、再構成されたりします。
影響源としては、シュルレアリスム的な描線の手法や自動筆記の考え方があり、加えて「風景」というテーマを心理的・感情的空間として捉えることにも長く関心を持っています。作品タイトルも重要な役割を果たしており、制作の途中で現れる物語性を方向づけます。
Q. 現在の制作にもっとも大きなインスピレーションを与えているものは何でしょうか。そのミューズが特別な意味を持つようになったのはいつ頃だったのか、また最初にどのようなかたちで現れたのかについてもお聞かせいただけますか。
A. 創作の源は、直感的な絵画のアプローチそのものにあります。初期の頃は自身が撮影した写真をもとに描くことが多かったですが、一方で友人と週に一度行っていた即興的なペインティングの時間を通して、徐々に直感に委ねる感覚が育まれていきました。この「参照」と「直感」のバランスが初期の制作を形づくりました。
転機となったのは、エミー・ブリッジウォーターに着想を得たシュルレアリスティックな作品の依頼を受けた時です。その経験を通して、より大胆に、自動的な筆致と直感を信じる方向へ歩み出すきっかけとなりました。以降、計画的な構図ではなく、潜在意識の流れから自然に作品が立ち上がるように、制作の中心を「直感」が担うようになりました。
Q. そのインスピレーションを初めて発見したとき、どのような感情を覚えましたか。その後、制作スタイルや方向性にどのような変化がありましたか。
A. 友人のガーデンパーティーに招かれた際、彼女のアトリエを見せてもらいました。その空間はまるで宝の山のようで、創造が生まれる場所の高揚感に包まれ、強い衝動的な「描きたい」という気持ちが湧き上がりました。彼女は大きな紙を広げ、木炭を手渡してくれました。気づけば二時間ほど夢中で線を引き、そこに現れたのは、どこか奇妙で見覚えのない風景でした。
その創作の行為が忘れられず、再び筆を取る強い欲求を覚えました。今振り返ると、それが大きな転機だったと思います。教師として、また家族を支える日々を送った三十年の歳月を経て、再び「創作」という場所に戻ってきました。
最初は週に一度、友人のアトリエで絵を描く時間を楽しんでいましたが、父の死をきっかけに、悲しみの勢いが日々の制作へと駆り立てました。現在ではほとんど毎日描いており、それが喪失からの癒しであり、心を整える行為になっています。
I’m Looking at the View, Close to the Edge
Q.ミューズは、普段どのようなかたちで現れるのでしょうか。視覚的なイメージでしょうか、それとも音や空間的な感覚、あるいは特定の感情でしょうか。具体的な特徴や性質について、詳しくお聞かせください。
A. インスピレーションは、絵具で生まれる自由な筆致や感覚的なマークとして現れます。描く過程では、形を引き出したり拭い取ったりしながら常にバランスを探っており、それは一種の対話にも似ています。自身の判断は極めて二元的で、画面のエネルギーに共鳴するか、そうでないか、それだけを指針としています。このシンプルな感覚が、創作の中で確かなコントロール感をもたらしています。
作品を「解く」感覚はジグソーパズルを完成させるようなものですが、初めから完成図は存在しません。その予測不能な展開こそが創造の喜びであり、描き続けたいという意欲を保ってくれます。
Q. インスピレーションを最も鮮やかに体現しているとお感じになる特定の作品がございましたら、その制作過程を詳しくお聞かせいただけますでしょうか。最初の着想から完成に至るまでの歩みや、その過程で直面なさった課題、ひらめきを得られた発見についてお話しください。
A. ＜Teetering – A Landscape on the Edge＞という作品では、風景の方向性を異なる視点から考えるきっかけを得ました。最初は通常通り「空が上、地が下」という構図で始めましたが、制作の途中でキャンバスを繰り返し回転させ、固定されたイメージから意識的に距離を取りました。その結果、空が横に配置されたとき、「Teetering（危うく揺らぐ）」というタイトルが自然と浮かび上がりました。そこから「時空の境界に存在するにぎやかな世界」という物語が生まれました。
この作品は＜Talking Landscapes＞というシリーズともつながっており、風景を安定した描写ではなく、「思考」「感情」「運動」を運ぶ内的な媒体として扱うという自分の方向性を明確にしてくれました。
Teetering - A Landscape on the Edge
Q. インスピレーションとの関係は、時を経てどのように進化してきましたか。新たな側面や深まった要素があれば、お聞かせください。
A. 時間の経過とともに、作品は個人的な経験や思考から自然に新しいシリーズを生み出すようになりました。例えば、＜Talking Landscapes＞シリーズは、岩や植物に現れる奇妙で表現的な形から発展しています。＜Green – A Landscape of Irrational Behaviour＞や＜Teetering – A Landscape Close to the Edge＞のようなタイトルは、環境的不安や生態系の揺らぎといった現代的テーマと自身の内面が重なり合う領域を描き出しています。
また、風景の擬人化を通じて、手を取り合う形や思考の雲など、人間的要素を取り入れることも増えました。
Q. インスピレーションとの対話を促すために、意図的に取り入れていらっしゃる習慣やルーチンがございましたらお教えください。一方で、インスピレーションが訪れにくい時期におかれましては、いかなる方法でその状況に対処なさっていますか。
A. 絵を描くことは、今では心から楽しめる日々の習慣になっています。家事を終えた後、夜の静かな時間にアトリエで過ごすひとときが制作の中心です。かつて教師をしていた頃は、日々の疲れから夜に描くことが難しかったですが、今は体力的・精神的な余裕ができたことで、制作をより楽しめるようになりました。
学校や成人向けアートワークショップの日は、頭を休める時間だと割り切ることもあります。半分疲れている日には、思考を抑え、自由な筆致で新しい作品を始めることがあります。それが解放感となり、次への創作意欲につながっていきます。
また、夕方には絵具を選んだり、キャンバスを準備したりと、事前の仕込みをしておきます。制作着に着替えることで「描く時間」に気持ちを切り替えることができます。日中は、作品づくり以外の作業、展示準備や事務的な仕事などにも取り組んでいます。
Q. インスピレーションに導かれて、予期せぬもしくは挑戦的な方向へ進んだ瞬間はありましたか。その経験から、ご自身や制作についてどのような発見がありましたか。
A. 創作の根源が「創造する行為」そのものであるため、毎作ごとに新たな挑戦があります。作品を擬人化して「扱いにくい」「いたずらっぽい」と表現することもあります。そうした時期には、無理に解決を急がず、しばらく距離を置くようにしています。時間を置くことで、再び見たときに問題が自然に浮かび上がることが多いです。複数の作品を同時に進めることも助けになっており、発想を冷ます時間と発見のタイミングがうまく循環しています。
Q. 鑑賞者の皆様のご反応は、インスピレーションとの関係性にどのような影響をお与えになりますでしょうか。鑑賞者の視点を通じ、これまで気づかれていなかった新たな発見を得られたご経験はございますか。
A. 最近の出来事が、自身の制作の本質を改めて明確にしてくれました。ワークショップの中で、参加者が作品を自由に回転させながら、それぞれの感じ方や見え方を語ってくれました。その後、彼ら自身が制作を始めた際にも、同じように「感情」「記憶」「連想」を通して作品を捉えていました。
ある友人がその状況を「ロールシャッハ・テストに似ている」と形容してくれました。つまり、明確な物語を提示するのではなく、観る者の内面を映し返す鏡のような存在だということです。この「解釈を促しながらも確固たる答えを与えない」心理的な開放性が、作品に対する一人ひとりの体験を個別で親密なものにしています。
Q. 核心をなすインスピレーションを忠実に守り抜きながらも、成長や変化の余地をどのようにお許しになっていらっしゃいますか。外部からのご期待とご自身の創作活動との間で、選択を迫られるご経験はございましたか。
A. 現在、スタジオの床に置かれている委託作品がまさにそうした課題を象徴しています。依頼主の撮影した海景写真をもとに制作するよう求められていますが、現在は制作意欲がなかなか湧かず、壁から下ろしたままの状態になっています。
自由な創作の時間は、自分にとって「仕事」ではなく「休息」に近い体験です。だからこそ、外部からのプレッシャーがあると、その自由が揺らいでしまいます。近く移転予定の新しいスタジオで、日中に制作できる環境が整えば、このバランスが再び整うのではと感じています。
Q. 本日は深い洞察をお聞かせいただき、心より感謝申し上げます。最後に、今後インスピレーションがどのような方向へ発展・拡大されていくとお考えでしょうか。新たな探求領域やテーマへの関心があれば、お聞かせください。
A. 肖像画家との新しい共同制作と展示が始まっており、その影響はすでに作品に表れ始めています。ときおり、居住する地域やギャラリー周辺の風景が暗示的に立ち現れる瞬間があり、その偶発的な出現が興味深いです。
これからも、作品は明確に形を定めず、断片的で移ろいやすい状態を保ち続けます。この「間」の感覚は、動きや変化を許容する自分の制作において重要な要素です。
また、現在進行中のコラボレーション作品も楽しみのひとつです。どのような展開になるかは未知数ですが、共同制作を通して自身の視覚的言語がどのように変化していくのか、その過程こそ次の探求の場になると考えています。
Contact
アーティスト : Tara Harris
インスタグラム : @tara_harris_art
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