Q. 本日はu1ギャラリーへお越しいただき、誠にありがとうございます。ヴィアンさんをお迎えできることを心より嬉しく思います。まずは、これまでのアーティストとしての歩みについてお聞かせいただけますか。表現の世界を志したきっかけや、今日に至るまでの道のりについて、ぜひご紹介ください。
A. 私の名前はヴィアン・ボルチャートです。長年にわたり創作活動を続けているアーティストです。幼い頃から芸術的な感性に恵まれ、それを家族の支えや熱心な先生方の導き、そして学びの積み重ねによって育んできました。ワシントンDCにあるジョージ・ワシントン大学付属のコーコラン美術大学で奨学金を得て美術を専攻し、以来、アートの世界に身を置いてきました。また、制作と並行してこの20年間、ワシントンDCエリアで成人向けの美術クラスを担当し、アート教育にも力を注いでいます。これまでに、私の作品は世界各地の美術館や有名ギャラリーで展示されています。
Q. 作品を振り返ってみて、転機となった作品やシリーズはありますか？ その経験を通して、どのような変化がありましたか？
A. 抽象表現の探求を始めた初期のころ、カナダ・ナイアガラの滝を訪れた体験が大きな転機となりました。滝の裏側の狭いトンネルを抜け、轟音を立てて流れ落ちる水流を目の前で感じたあの瞬間は、私の視覚的な記憶に強烈に刻まれました。その体験をきっかけに、ワシントンDCに戻ってから「滝」や「雨」をモチーフとした青を基調とする抽象画のシリーズ制作を始め、次第に作品が多くの注目を集めるようになりました。
2010年代に制作したこれらの作品の多くは、その後 “1stDibs” のオークションハウスを通じて販売され、ワシントンDCの各国大使館や個人コレクターによって収蔵されています。初期の抽象シリーズは、その後のモダン・アブストラクト・アートに大きな影響を与え、アートとデザインの世界に一つの潮流を生み出したと思います。ただし残念ながら、そのスタイルの源流としての私自身の功績が正式に評価・言及されることは限られています。
私は常に探究心を持ち続け、新たなシリーズに取り組みながら、独自の視点と創造的なアプローチで現代抽象の可能性を広げてきました。時を経て、自分にはアートのムーブメントそのものを再構築し、哲学的視点と個人的な美学を通じて現代美術の方向性に影響を与える力があると感じています。
Q. 最近のアトリエでの制作過程の中で、現在のスタイルを象徴するような瞬間はありますか？ 過去の制作との違いもあれば教えてください。
A. 以前の私は、夜の静けさの中で一晩中制作に没頭するタイプでした。世界が眠りについた時間こそ、最も集中できる瞬間だったのです。ですが、近年はまったく逆のリズムへと変化しました。夜明けとともに目を覚まし、誰も起きていない早朝の時間に、ひたすら筆を走らせるようになりました。周囲に人の気配や音が戻ると、雑念が入り込み、私の内なる視覚世界との深いつながりが途切れてしまうのです。創作の始まりには、いつも淹れたての濃いコーヒーを飲むことから一日を始めます。それが私のエネルギーと創造力の源です。コーヒーは、私にとって欠かせないインスピレーションの一部ですね。
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| Blues and Greens |
Q. 制作の中で強く影響を受けているアーティストや、また特定の作品などはありますか？ それらはどのように作品に反映されていますか？
A. 私は長年アーティストとして活動すると同時に、美術教育にも携わってきました。その中で、数多くの巨匠たちの作品を学び、教えてきました。個人的に惹かれるスタイルや時代はありますが、それらを直接的に自分の作品へ取り入れることはほとんどありません。むしろ、美術館で作品を鑑賞したり、美術書を通してその世界観に触れることでインスピレーションを得ています。とはいえ、私にとって最も大きな影響を与えたのは、やはり「画家」としての原点を思い起こさせてくれるフランス印象派、特にクロード・モネの作品です。
モネが光と影を捉える筆致のリズム、そして喜びや生命力を感じさせる色彩の調和には、いつも深く共感します。なかでも、ニューヨーク近代美術館やパリの美術館に所蔵されている「睡蓮」のシリーズには、何度見ても心を動かされます。授業でも印象派を扱う際には、モネの作品を例に取りながら、彼の革新的な視点とその影響力について学生たちに伝えています。
私自身、絵筆の感触をとても大切にしており、さまざまな種類の筆や、豊富な色彩の絵具を常に手元に揃えています。創作の最中に「色が尽きる」ということがないように、色は無限のエネルギーの源だと考えています。
Q. 最近の創作活動では、どのようなきっかけから着想を得ていますか？ また、その“ひらめき”をどのようにして一つの作品へと昇華させているのでしょうか？
A. 最近のインスピレーションは、都市の「衰退」や「風化」といった風景から得ています。私はメリーランド州ボルチモアの近くに住んでおり、ニューヨークからワシントンDCまでの都市回廊をよく行き来します。その道中で出会う、どこか取り残された街の片隅や記憶のように残る建物群が、今の作品の原点になっています。それらの風景は、ニューヨークやボルチモア、ワシントンDCといった大都市だけでなく、アメリカ全体が抱える社会的な疲弊の象徴でもあり、修復を渇望する現代の姿のメタファーとして描いています。
崩れ落ちた橋や傾いた電柱などを抽象的なモチーフとして取り入れながら、私の作品「Electric」シリーズでは、観る人の意識を目覚めさせ、変化の必要性を訴えかけたいと考えています。このシリーズは、私たちの世界がいま再び「やさしさ」を取り戻す必要があるというメッセージを内包しています。人への思いやり、環境への配慮、そして私たちが生きる空間そのものへの尊敬の念です。「Electric」というタイトルには、エネルギーを媒介として目に見えない感情や心理、内的な衝動を伝えるという意図があります。色、筆跡、リズムといった要素が、内面の感情と外の世界をつなぐ導線となり、観る人の心を動かし、「より良い明日」へと向かう希望の回路を開くことを願っています。
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| Man |
Q. 特定の場所や環境が直接的に作品のインスピレーション源となったことはありますか？ その空気や感覚はどのように作品に取り込まれたのでしょうか？
A. はい。初期の抽象的な風景画シリーズ、特に雪山を描いた作品群は、フランスのリヴィエラ地方を訪れた際の体験から着想を得ています。ニースの小石の浜辺に立ち、穏やかに揺れる地中海のターコイズブルーとアクアの色合いに心を奪われた瞬間、ふと後ろを振り返ると、遥か彼方に雪を頂いたフランス・アルプスの山並みが見えました。その光と色の対比、そして静寂の中の高揚感があまりにも鮮烈で、まるで写真のように記憶に焼き付きました。その印象が「雪山」シリーズ誕生のきっかけとなり、後に多くのコレクターの手に渡ることになりました。
いくつかの作品は現在も国際的なアートマーケットである "1stDibs" や "Artsy" で公開・販売されており、世界中の方々にご覧いただくことができます。
Q. 鑑賞者には、作品とどのように向き合い、どのような時間を過ごしてもらいたいと考えていますか？
A. 私は、自分の作品を「橋」のような存在にしたいと思っています。観る人を絵の表層だけでなく、その背後にあるメッセージや象徴性へと導く、視覚的な言語のようなものとしてです。
抽象的な作品が多いですが、私の表現の根底には「希望」や「静寂」、そして「再生」といった感情を呼び起こしたいという想いがあります。単なる美しい構図としてではなく、心や思考を刺激し、観る人自身の内面と対話できる“生きた体験”として作品を感じてもらえたら嬉しいです。
Q. 作品を通した鑑賞者の反応や関わりが、ご自身の創作に影響を与えたことはありますか？ もしあれば、その経緯を教えてください。
A. そのような体験はこれまでに何度もあります。たとえば展覧会のオープニングでは、ひとつの作品が多くの人々の関心を集め、初対面の方々が自然とその絵の周りに集まり、作品に感じた印象や感情について語り合う場面をたびたび目にします。中には、作品に触発されて詩を書き、後日手紙を送ってくださった方もいらっしゃいました。特に表情をテーマにした表現主義的な人物画は、観る人の感情を強く揺さぶるようで、ポジティブな反応を多くいただきます。
私にとって何よりも嬉しいのは、まったく見知らぬ人同士が、ひとつの作品をきっかけに言葉を交わし、心を通わせる瞬間を目にすることです。アートが人と人とを結びつける、その瞬間こそが、私にとって創作の原動力でもあります。
Electrical |
Q. 思いがけない展開を見せた作品や、制作中に予想外の発見があった作品はありますか？ そこからどのような学びを得ましたか？
A. これまで手がけてきた作品の中には、自分自身が深く驚かされるような体験をもたらしてくれたものがいくつもあります。特に鮮明に覚えているのは、1990年代に制作したある人物画のセッションです。当時、モデルを前にして描いていたのですが、制作を重ねるうちに、目の前の人物像とはまったく異なる方向へと作品が展開していきました。最終的に出来上がったのは、ひげをたくわえた男性と、その背後に寄り添う女性を描いた、完全に抽象化された構図の作品で、タイトルを「Life’s Burden」と名づけました。
この作品は美術学校在学中に制作したものですが、完成後すぐに同級生たちの注目を集めました。単なる人物デッサンの課題から、まったく意図しない抽象的表現が生まれたことに、皆が驚きと感嘆の声を上げたのを今でも覚えています。当時の恩師であり、著名なアーティストでもあった故ウィリアム・クリステンベリー先生からも、「この方向性で創作を続ければ、きっと遠くまで行ける」と言葉をいただきました。
そして今振り返ると、確かに彼の言葉は正しかったと思います。私はこの経験をきっかけに、抽象的な空間の中に人物像を再構築するという独自のアプローチを確立しました。これにより、表現主義的なフィギュラティブ（具象的）アートを新たな地平へと押し広げ、現代の人物表現に新しい解釈をもたらすことができたと感じています。
Q. 繰り返し描いてしまうテーマやモチーフはありますか？ それらは今、作品の中でどのように変化・発展していると感じますか？ まるで“帰る場所”のように、何度も立ち戻るイメージがあれば教えてください。
A. 私は地中海の海辺で生まれ、子どもの頃の夏の多くを海沿いで過ごしました。ですから、作品の中で何度も「青い海」に立ち返っているように思います。私にとって創作は、あの頃の穏やかな時間への小さな航海のようなものです。潮風の香り、穏やかな波の音、水平線の向こうに思いを馳せるあの感覚──そうした海辺の記憶が、今も私の作品の根底を流れています。
幼少期の私は、そして今の私も、いつも夢想家です。澄んだ青空と白い雲を見上げ、海がもたらす静寂と瞑想のような時間に身を委ねることで、心の平穏を見出してきました。そんな「静かな夢」のような景色こそ、私が何度も描きたくなる原風景なのだと思います。
Winds of Change |
Q. もし明日、理想のプロジェクトを実現できるとしたら、どのような場所・表現手法・協働メンバーとともに、どのように形にしたいと考えていますか。
A. いつかパリのフォンダシオン ルイ・ヴィトンと協働し、その場所の空間性を生かしながら、私自身のシグネチャーである青の抽象表現を用いたサイトスペシフィックな作品を発表してみたいと考えています。私のビジョンは、アートを通じて人の魂を高めると同時に、創り手であり思索する一人の人間として、より広い社会と対話を開いていくプロジェクトを実現することです。
フォンダシオンが持つ発信力とプラットフォームを活かし、アートが人生を豊かにし、変容をもたらす力について、視覚的な対話を世界に向けて提示できればと願っています。
Q. ご自身の作品について、「本当はもっとこういうことを聞かれたらうれしい」と感じる質問はありますか？ また、その質問にどのように答えたいですか。
A. 実は、特別に「こう聞いてほしい」と思う質問はあまりありません。私の作品は、鑑賞する人それぞれの背景や視点によって、自由に解釈されるべきものだと考えているからです。私にとってアートは、創り手である私だけの表現の自由ではなく、作品と向き合う人たちにとっても、自由に感じ、考え、読み解くための場そのものです。だからこそ、一つの正解に縛られない「ひらかれた経験のフィールド」でありたいと思っています。視覚を通じて心が解き放たれ、それぞれが自分なりの物語を見出せるような余白を、作品の中に残しておきたいのです。
Contact
アーティスト : Vian Borchert
インスタグラム : @vianborchert
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